共赴海底奇幻之旅

　　奇幻剧《海底两万里》剧照。

　　黄廷匡摄

　　法国作家儒勒·凡尔纳的小说《海底两万里》对中国读者而言并不陌生，在70后和80后的童年记忆里，它是一本浪漫的睡前读物，为我们第一次推开科幻的大门。这本书讲述了鹦鹉螺号潜艇在海底的神秘探险历程，展现了海底世界的奇幻景象与科技幻想，成为19世纪科幻文学的里程碑。

　　第一次翻开《海底两万里》，犹如打开一座诱人的海底宝库。那时的我们整日幻想着鹦鹉螺号究竟长什么样，还和朋友们互相攀比：“我才是真正的尼摩船长！”时光匆匆，一名80后的演员朋友已是一个小学男孩的父亲，他喜欢给孩子读《海底两万里》，孩子的小名也叫“尼摩”。他自己虽然没有成为尼摩船长，却成了尼摩船长的父亲！

　　这是我们与《海底两万里》的羁绊与记忆。这部小说跨越文化与时空，连通人们内心深处对幻想、自由和冒险的共同渴望。《海底两万里》的环球阅读之旅，是带领一代代不同国家、不同文化背景的孩子面对浩瀚无垠的海洋展开畅想的旅程。

　　1869年至1870年，《海底两万里》连载于法国《教育与娱乐杂志》，1902年被译介到中国；2015年，法语奇幻剧《海底两万里》在法兰西喜剧院首演，一演近10年；2025年，中法共创奇幻剧《海底两万里》正在国内巡演。当一部成熟的法国剧目来到中国舞台，我们如何让它真正走进观众心里？

　　黑光剧场，是我们做出的尝试。舞台以黑暗为画布，以光线为画笔，让灵动的戏偶成为拼图的碎片。当水母在漆黑中翩然起舞，当鱼群在暗处倏忽游过，观众用想象力补全海洋图景。这与中国传统美学中的“留白”理念不谋而合，在虚实相生间创造无限审美可能。

　　为此，我们的演员既要演绎人类角色，又要穿着特制的全黑薄纱衣，在暗处操控戏偶。灯光设计师重新改造了常规灯具，通过精确的光墙构建，既隐藏了演员的存在，又让戏偶在黑暗中焕发光彩。

　　本土化，是创作改编的重中之重。我们要让作品真正融入本土观众的审美和情感世界，既保留原作精髓，又赋予它新的文化灵魂。

　　首先摆在面前的，是语言的本土化。这不仅仅是语言的转换，更是文化的转译。例如第八幕中，3名船员在漫长的深海航行中唱起怀念陆地的歌谣。原版是一首充满海洋文明气息的水手之歌，豪迈奔放：“有朝一日我会找到我的爱人，我的浮标；杀死鲸鱼，我要出海！”而中文版则改编为：“一个人的征途，无复伤往昔，一个人的归途，究竟何处去，岁月轻似一场梦，功名富贵转头空，无处归兮无奈何。”

　　这段歌词不仅对仗押韵，更蕴含了中国古典诗词的意境——关于“梦”“空”“归去来兮”的哲思，透露出东方式的乡愁与人生况味。中国观众能迅速捕捉到这种情感共鸣，因为它根植于我们的文化记忆。

　　其次，是视觉的本土化。服装是角色的第二层皮肤，设计师大可重新设计了3名船员的造型，既符合国际化的舞台审美，又融入了中国美学的细节。共创版还加入了新偶，设计师刘凯茵借鉴《山海经》中的形象，创造出一条形似龙的蛇鱼，让神秘的海洋生态更贴近中国观众的想象空间。

　　第三，是情感的本土化。法国演员的表演珠玉在前，我们希望中国演员在自己的文化环境中重新塑造角色。例如奈德在法语版中是一个勇猛粗犷的水手，在共创版中，他穿上中国渔民的服装，慢慢有了中国“游侠”的气质。我们还在他的台词中加入民间歇后语——这些来自中国江湖的生存智慧，既增添趣味性，也让角色更接地气。

　　真正美的、令人愉悦的事物，都是相通的。当我们走进剧场，观看这部奇幻戏剧，会发现一场海底探险的美梦轻轻萦绕身边。正如剧中台词：“在这里，人不再会感到孤单，因为这片海是活着的；孕育在它的怀抱中，你时刻都会感受到周围生命的涌动。在这里——我们是自由的！”

　　（田晓威为《海底两万里》中方编剧，查文渊为本剧中方导演）

　　《 人民日报 》（ 2025年06月06日 17 版）